Современная живопись.

Предыдущая тема Следующая тема Перейти вниз

Современная живопись.

Сообщение автор Константин в Чт Май 03 2012, 19:05

Современное искусство (англ. contemporary art, иногда в качестве синонима используют определение актуальное искусство), — искусство, созданное в недавнем прошлом и в настоящее время. С течением времени современное когда-то искусство становится достоянием истории. На данный момент времени современным искусством считают произведения, созданные в период с 1970-х по нынешний день. Историю развития новых направлений искусства ХХ столетия можно разделить условно на два больших этапа: модернизм (modern art) — искусство от эпохи импрессионизма (начиная приблизительно с 1880 года) до 1960-1970-х годов и современное искусство — от 70-х прошлого века до настоящего времени.
1970 год является поворотным пунктом в истории искусства по двум причинам. Первое — это год возникновения терминов «постмодерн» и «постмодернизм». Во-вторых, 1970 год — последняя веха, до которой художественные движения было относительно легко классифицировать. Если сравнить количество художественных направлений в период до 1970 года и после, то легко заметить, что во времена модернизма их было значительно больше. И это не смотря на то, что художников, работающих в данное время больше, а арсенал средств и технических возможностей шире. Еще одной особенностью искусства последних 30-ти лет является его социальная ориентированность, гораздо более ярко выраженная, чем во все предыдущие эпохи.
В русском языке используется также термин «актуальное искусство», который во многом схож, но не тождественен по смыслу термину «современное искусство». Под актуальным искусством участники художественного процесса в России подразумевают новаторское современное искусство (в плане идей и/или технических средств). Актуальное искусство быстро устаревает, становясь частью истории современного искусства 20-го или 21-го столетия. Во многом участники арт-процесса в России наделяют определение «актуальное искусство» смыслом, которое в свое время приписывалось авангардизму (новаторство, радикальность, использование новых техник и приемов).

Течения и направления в современном искусстве1950-е годы
Абстрактный экспрессионизм (Abstract Expressionism)
Лирическая абстракция (Lyrical Abstraction)
Нью-Йоркская школа (New York School)
Bay Area Figurative Movement
New York Figurative Expressionism 1960-е годы
Вашингтонская школа (Washington Color School)
Концептуальное искусство (Conceptual Art)
Минимализм (Minimalism)
Наративное искусство
(Figuration Narrative)
Нео-Дада
(Neo-Dada)
Оп-арт (Op Art)
Перформанс (Performance Art)
Поп-арт (Pop Art)
Реализм Нуво (Nouveau Realisme)
Хеппенинг (Happenings)
Компьютерное искусство
(Computer Art)
Живопись жестких контуров (Hard-edge painting) 1970-е годы
Боди-арт (Body Art)
Видео-арт
(Video Art)
Гиперманьеризм (Hypermanierism)
Неоэкспрессионизм (Neoexpressionism)
Поп-сюрреализм (Lowbrow)
Постминимализм (Postminimalism)
Соц-арт (Land Art)
Трансавангард (Trans avant-garde)
Феминизм
(Feminist Art)
Фотореализм (Photorealism)
Флуксус (Fluxus) 1980-е годы
Апт-арт (Appropriation Art)
Граффити
(Graffiti Art)
Демосцена (Demoscene)
Масс-сюрреализм (Massurrealism)
Неогеометрический концептуализм
(Neo-geo conceptual Art)
Неоконцептуализм (Neo-conceptual Art)
Нео-поп
(Neo-pop Art)
Новые дикие (Nouveau Fauves)
Свободная фигуративность (Figuration Libre) 1990-е годы
Видеоигровое искусство (Videogame Art)
Вэб искусство (Internet Art)
Молодые британские художники
(Young British Artists)
Новая лейпцигская школа (New Leipzig School)
Стакизм (Stuckism)
Тоизм (Toyism)
Bitterism 2000
Искусство взаимоотношений (Relational Art)
Софт-арт (Software Art)
Стрит-арт
(Street Art)
Суперплоскость (Superflat)
Фанизм (Funism)
Ви-Джей (VJ Art)


Современное искусство в нынешнем своем виде сформировалось на рубеже 1960-70-х годов. Художественные искания того времени можно охарактеризовать как поиск альтернатив модернизму (зачастую это выливалось в отрицание через введение прямо противоположных модернизму принципов). Это выразилось в поиске новых образов, новых средств и материалов выражения, вплоть до дематериализации объекта (перформансы и хеппенинги). Можно сказать, что произошел сдвиг от объекта к процессу.
Самыми заметными явлениями рубежа 60-х и 70-х годов можно назвать развитие концептуального искусства и минимализма. В 70-х заметно усилилась социальная направленность арт-процесса как с точки зрения содержания (тем, подымаемых в творчестве художниками), так и состава: самым заметным явлением середины 70-х стал феминизм в искусстве, а также нарастание активности этнических меньшинств (1980-е) и социальных групп (например, «искусство аутсайдеров»). Конец 70-х и 80-е годы охарактеризовались «усталостью» от концептуального искусства и минимализма и возвратом интереса к изобразительности, цвету и фигуративности (расцвет таких движений как «Новые дикие»).
На середину 80-х приходится время подъема движений, активно использующих образы массовой культуры — кэмпизм, искусство ист-виллиджа, набирает силы нео-поп. К этому же времени относится расцвет фотографии в искусстве — все больше художников начинают обращаться к ней как к средству художественного выражения. На арт-процесс, начиная с 80-х, большое влияние оказало развитие технологий — видео, аудио, компьютеров и интернет — это существенно расширило палитру средств, используемых художниками.

Абстрактный экспрессионизм (abstract expressionism) — школа (движение) художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование. Начальная фаза движения - абстрактный сюрреализм (abstract surrealism) появилась в 1940-е, под влиянием идей Андре Бретона, ее основными приверженцами были американские художники Ганс Хоффман, Аршиль Горки, Адольф Готлиб и др. Особый размах движение получило в 1950-е годы, когда во главе его встали Джексон Поллок, Марк Ротко и Виллем де Кунинг.

Поп-арт (англ. pop art, сокращение от popular art — популярное, общедоступное искусство; второе значение слова связано со звукоподражательным рop — отрывистый удар, хлопок, шлепок, то есть производящее шокирующий эффект) — направление в изобразительном авангардистском искусстве 1950—1960-х годов, возникает как оппозиция беспредметному абстракционизму и знаменует переход к концепции нового авангардизма, «раскрывает эстетические ценности» образцов массовой продукции: потребительские товары (банка супа), персонажи новостей (Мао Цзэдун) или кино (Мэрилин Монро). Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст: изменяются масштаб и материал; обнажается приём или технический метод; выявляются информационные помехи и др.
Поп-арт приходит на смену абстракционизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации. Поп-арт характеризует яркий и контрастный колор. Представители поп-арта провозгласили своей целью «возвращение к реальности», но реальности, уже опосредованной масс-медиа: источником их вдохновения стали глянцевые журналы, реклама, упаковка, телевидение, фотография. Поп-арт вернул предмет в искусство, но это был предмет, не опоэтизированный художественным видением, а предмет нарочито бытовой, связанный с современной индустриальной культурой и, в особенности, с современными формами информации (печать, телевидение, кинематограф). Новые технические приемы, позаимствованные из промышленного дизайна и рекламы: фотопечать, использование диапроектора, включение реальных предметов, способствовали как «обезличиванию» индивидуальной творческой манеры художника, так и «раскрытию эстетической ценности» образцов массовой продукции. Поп-арт зародился в Англии; наибольшей известности достигли американские и французские художники. Сходные направления появились в Италии, Германии, а также в СССР. В качестве обозначения советского аналога поп-арта иногда используют термин «соц-арт». Наиболее яркие представители поп-арта: Энди Уорхол, Роберт Раушенберг, Питер Блейк, Алекс Кац, Рой Лихтенштейн, Эд Руша, Том Вессельман, Роберт Индиана.

Фотореализм (photorealism) — направление в живописи, возникшее в США в конце 1960-х, а затем распространившееся в 1970-х годах в Европе. Термин, тем не менее, преимущественно применяется по отношению к работам американских фотореалистов конца 1960-х — начала 70-х годов. Слово «фотореализм» было придумано Луи Мейзелем (Louis Meisel) в 1968 году, а впервые опубликовано — в 1970 году в каталоге Музея Уитни для выставки «Двадцать два реалиста». Другое название фотореализма - гиперреализм.
Фотореалистичная живопись невозможна без фотографии. В фотореализме изменение и движение должно быть заморожено во времени, которое скрупулёзно должно было быть представлено художником. Фотореалисты собирали свои образы и информацию при помощи камеры и фотографий. Обычно снимки делались на слайд, а затем переносились на холст. Это делалось при помощи проецирования слайда или с использованием сетки. Результат был копией фотографии, но обычно гораздо ярче оригинала.
Первое поколение американских фотореалистов включало таких художников как Ричард Эстес (Richard Estes), Ральф Гоингз (Ralph Goings), Чак Клоуз (Chuck Close), Чарльз Белл (Charles Bell), Джон Баедер (John Baeder), Одри Флэк (Audrey Flack), Дон Эдди (Don Eddy), Роберт Бештле (Robert Bechtle), Том Блэквэлл (Tom Blackwell), и Ричард МакЛин (Richard McLean). Дуэйн Хансон (Duane Hanson) и Джон ДеАндреа (John DeAndrea) были скульпторами, чье творчество связывают с фотореализмом, благодаря раскрашенной очень натуралистичной скульптуре, изображающей обычных людей. Подъем фотореализма был в середине 1970-х, но в начале 1990-х интерес к жанру возродился. Это возобновленный интерес связан как с художниками «первого поколения» фотореалистов, так и с более молодыми. С новыми технологиями возможности художников расширились. Американские художники-фотореалисты: Скотт Прайор (Scott Prior), Уильям Коттон (William Cotton), Мэл Рамос (Mel Ramos), Хило Чен (Hilo Chen). Многие известные молодые фотореалисты - европейцы: Рафаэлла Спенс (Raphaella Spence) — англичанка, живущая в Италии, Бертран Мениель (Bertrand Meniel) во Франции, Роберто Бернарди (Roberto Bernardi) и Чиара Албертони (Chiara Albertoni) в Италии, Бернардо Торренс (Bernardo Torrens) в Испании, Тони Брунелли (Tony Brunelli) в Нью-Йорке и Клайв Хэд (Clive Head) в Великобритании.

Блейк Питер
Бэкон Фрэнсис
Исачев Александр
Перлстайн Филип
Рихтер Герхард
Фрейд Люсьен
Паркес Майкл
Джонсон Гай
Фишл Эрик
avatar
Константин
--------------------------
--------------------------

Мужчина Козерог
Сообщения : 1907
Очки : 5029
Рейтинг : 972
Дата регистрации : 2011-12-29
Дата рождения : 1965-01-13
Возраст : 53
Награды : За 1900 сообщений! Делюсь лучшим
Настоящий чатланин Время не властно Замсоздателя сайта Главный Джентльмен форума Просветитель форума Спасибо, что Вы с нами! Приз симпатий форумчан

Посмотреть профиль

Вернуться к началу Перейти вниз

Re: Современная живопись.

Сообщение автор Константин в Сб Май 12 2012, 11:18

Блейк Питер.
Питер Блейк (Peter Blake) - английский художник, принадлежащий первому поколению британских мастеров живописи поп-арта. Он родился 25 июня 1932 в Дартфорде, графство Кент в Англии. В 1946-1951 годах обучался в техническом колледже и в художественной школе Грейвсенд, а также в Королевском колледже искусства Лондрес (1953-1956). 
Со студенческой скамьи всегда проявлял большой интерес к популярному искусству, фольклору и мифологии. Его первые работы, выполненные в 1950 на панелях из постаревшей древесины, посвящены детям, напр., «Дети, читающие комиксы» (1954, Музей и Галерея Искусства Карласл). После 1950 начал создавать коллажи с почтовыми открытками, фотографиями, иллюстрациями актеров и поп-артистов, комбинируя их с геометрическими формами блестящих цветов. В отличие от других художников эпохи поп-авангарда, таких как Ричард Амильтон и Эдуардо Паолосси, которые использовали для создания образов вырезки объявлений и журналов, Блейк представлял в своих картинах реально живописные образы, например, «Фрагмент искусства» (1959, Галерея Тэйт, Лондон) и «У Меня есть подруга» (1960-1961, Галерея искусства Уитворт, Университет Манчестера). Его первая персональная выставка состоялась в 1960 в Институте современных искусств. 
Он разработал обложку знаменитого на весь мир альбома Битлз «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band». В 1967 году обложка этой пластинки стала своеобразной вехой, верстовым стобом пластиночно-оформительского дела. Питер Блейк, малоизвестный тогда художник-коллажист, познакомившись с Полом Маккартни, был приглашен оформить пластинку и по договору с фирмой «Парлафон», выполнив работу, получил за нее 200 фунтов стерлингов. Альбом потом разошелся сотнями миллионов, но Питер Блейк с этого больше ни пенса не получил. А ведь обложка для успеха альбома - не последнее дело, и концептуальная новизна картины Блейка несомненно способствовала популярности диска. Но менеджеры Битлз отсудили признание его права на интеллектуальную собственность как художника-оформителя альбома.
 

The Origins of Pop II, 1963
Галерея Тэйт, Лондон The Origins of Pop III, 1965
Галерея Тэйт, Лондон

В дальнейшем Блейк сотрудничал со многими известными артистами и рок-группами (The Who, Oasis, Charles Manson, Pete Townshend и др.). С 1970-х годов Блейк написал много работ на основе мотивов народной культуры, фольклора и традиционных мифологических тем прошлых веков, таких как феи и другие персонажи мира фантазии. В этот период он создал прекрасные иллюстрации к сказке Льюиса Кэррола «Алиса в Зазеркалье». В 1981 Блейк был избран действительным членом-академиком Королевской Академии искусств.
Ретроспективная выставка его работ под знаковым названием «Уже есть 64», которую организовала Национальная лондонская галерея в 1996, вызвала шумный резонанс и подчеркнула интерес к его творчеству; интерес, который продолжают будить его картины и работа в качестве иллюстратора.

avatar
Константин
--------------------------
--------------------------

Мужчина Козерог
Сообщения : 1907
Очки : 5029
Рейтинг : 972
Дата регистрации : 2011-12-29
Дата рождения : 1965-01-13
Возраст : 53
Награды : За 1900 сообщений! Делюсь лучшим
Настоящий чатланин Время не властно Замсоздателя сайта Главный Джентльмен форума Просветитель форума Спасибо, что Вы с нами! Приз симпатий форумчан

Посмотреть профиль

Вернуться к началу Перейти вниз

Re: Современная живопись.

Сообщение автор Феликс Сигизмундович в Пт Сен 07 2012, 19:54

128 человек, посетивших в рамках конкурса все 11 галерей Ларри Гагосяна, в которых были выставлены работы Дэмиена Херста, к концу сентября получат в подарок картины художника с цветными точками.
Об этом 6 сентября объявила одна из победительниц конкурса Кристина Руис (Cristina Ruiz) в издании The Art Newspaper.
По словам Кристины Руис, выполнившие задание люди получили письма от представителей галерей Гагосяна, в которых сообщалось, что картины Херста, подписанные им лично, будут отправлены победителям к концу сентября.
Согласно условиям конкурса, ранее объявленного британским художником Дэмиеном Херстом, участники должны были посетить все 11 галерей Ларри Гагосяна, в которых с 12 января 2012 года в течение полутора месяцев была выставлена серия картин Херста с цветными точками. Галереи Гагосяна расположены по всему миру: в Нью-Йорке, Лондоне, Афинах, Риме, Женеве и других городах. В конце февраля были названы 128 человек, успешно выполнивших задание.
На выставке было представлено около 300 картин из серии, состоявшей из картин с цветными точками, в строгом порядке расположенными на холсте. Начиная с 1986 года было создано, по разным данным, от 300 до нескольких тысяч таких работ, причем сам Херст написал всего несколько картин, а остальные выполнили его ассистенты. К открытию выставки также был выпущен полный каталог всех работ Херста с цветными точками.
Самая дорогая из картин с точками была продана в 1998 году за 1,8 миллиона фунтов стерлингов. По словам лондонского арт-дилера Кенни Шэчтера, работы Херста с цветными точками опровергают законы рынка: чем больше появляется таких картин, тем выше становится спрос на них. "Все хотят иметь то, что есть у других", - заявил Шэчтер.
Дэмиен Херст в конце 2000-х годов был признан самым дорогим и самым богатым из современных художников. Ему принадлежит рекорд по общей стоимости проданных на аукционе работ одного художника: 198 миллионов долларов. В апреле 2012 года в галерее Tate Modern в Лондоне открылась первая крупная ретроспективная выставка Херста.
avatar
Феликс Сигизмундович
--------------------------
--------------------------

Мужчина Телец
Сообщения : 113
Очки : 269
Рейтинг : 69
Дата регистрации : 2012-09-05
Дата рождения : 1977-05-10
Возраст : 40
Город : Екатеринбург
Работа / Хобби : наука
100 сообщений

Посмотреть профиль

Вернуться к началу Перейти вниз

Re: Современная живопись.

Сообщение автор Нюша в Вт Янв 28 2014, 20:05

Бэкон Фрэнсис.
Фрэнсис Бэкон (Francis Bacon; 28 октября 1909, Дублин — 28 апреля 1992, Мадрид) — английский художник-экспрессионист. Родился в Дублине в семье отставного военного, жёсткого и авторитарного человека; мать Бэкона была культурной и образованной женщиной. В 1911 семья переезжает в Лондон. Частые переезды и болезнь (астма) помешали Фрэнсису получить систематическое образование.
Весной 1927 года Бэкон отправляется в Берлин к родственникам. Хоть Бэкон и увлечён этим городом, но через полгода он появляется в Париже на Монпарнасе, где изучает французский язык и работает как дизайнер и декоратор. Посещение выставки Пикассо в 1927 году оказало на него решающее влияние — он начинает заниматься живописью и по возвращении в Лондон устраивает в одном из гаражей, в районе Южного Кенсингтона мастерскую; там он работает до 1932 года. В 1933 году Фрэнсис Бэкон пишет своё первое «Распятие». Картина художника экспонировалась в лондонской галерее и вошла в каталог «Арт Нью». В 1944 картина «Три этюда фигур в ногах Распятия» экспонируется в галереях Лефевр и Тэйт и вызывает большой резонанс. В 1946 Бэкон уезжает в Монте-Карло и там работает до 1950 года. Затем некоторое время преподаёт в Королевском колледже искусства в Лондоне и работает до 1958 года с «Хановер Гэлери». В 1955 — первая ретроспективная выставка Бэкона в Институте современных искусств в Лондоне. К 1962 году проводится ретроспектива работ художника в галерее Тэйт. В следующем году Фрэнсис Бэкон знакомится с Жоржем Дайером, который становится моделью многих его работ. В 1964 пишет триптих «Три фигуры в комнате», в 1965 триптих «Распятие» (Государственная галерея современного искусства, Мюнхен). Ретроспективы картин в музее Гугенхейма и в Институте современного искусства Чикаго. В 1964—1967 годах пишет женские портеты (не свойственные творчеству Бэкона) — портреты и этюды Изабель Раусторн, Генриетты Мораес и других.
В 1960-х годах Бэкон осыпан множеством премий и почестей. Премию Рубенса он отдаёт для реставрации флорентийской живописи эпохи Возрождения.
В 1968 — первая поездка в Нью-Йорк, «Триптих на тему поэмы Томаса Элиота», 1967. В 1971 — ретроспектива в Гранд Палас, в Париже: свыше 100 картин и 11 триптихов. В том же году в связи с кончиной Жоржа Дайера Фрэнсис Бэкон пишет триптих «Памяти Жоржа Дайера». Портреты и представление смерти Дайера — также в ряде других работ. К 1974 относится знакомство с Джоном Эдвардсом, который становится его новой моделью и наследником. Бэкон совершает ещё одну поездку в Нью-Йорк (выставка художника в музее Метрополитэн) и знакомится с Энди Уорхолом (1975). Он также выставляется в Мадриде и Барселоне (1978). Триптих «Орестея Эсхила», 1981 — одна из важных работ этого периода. В конце 1980-х Бэкон экспонировался в восточном Берлине и даже в Москве (1988). Фрэнсис Бэкон умер в Мадриде 28 апреля 1992 года от сердечного приступа.
avatar
Нюша
--------------------------
--------------------------

Женщина Водолей
Сообщения : 228
Очки : 536
Рейтинг : 101
Дата регистрации : 2012-04-14
Дата рождения : 1985-01-31
Возраст : 32
200 сообщений

Посмотреть профиль

Вернуться к началу Перейти вниз

Re: Современная живопись.

Сообщение автор Спонсируемый контент


Спонсируемый контент


Вернуться к началу Перейти вниз

Предыдущая тема Следующая тема Вернуться к началу


 
Права доступа к этому форуму:
Вы не можете отвечать на сообщения